Ivo Ringe bedient sich ganz anderer künstlerischer Mittel als Heather Sheehan, wie schon der erste Blick zeigt: er hat sich der reduzierten, gegenstandsfreien Kunst verpflichtet und kreiert mit den Möglichkeiten der Malerei eine ganz eigene Bildwelt.
Seine Arbeiten sind reich an Struktur und Bewegung. Sie zeigen auf monochromen oder farblich unterteilten Untergründen Linien, Pinselstriche, die sich zu einer netzähnlichen Struktur zusammenfügen. Dabei entsteht eine sich in alle Richtungen fortsetzende Bewegung, die das Bild und den umliegenden Raum dynamisiert. Bei einigen Arbeiten scheint diese Struktur über die Bildränder hinweg zu wachsen, um sich dort endlos auszudehnen.
Bei anderen Werken bilden die Farbstriche eine in sich geschlossene Form mit einer netzähnlichen Binnenstruktur, deren Größe und Proportion sich am Format der Leinwand orientiert. Diese geschlossenen Formen wirken monumental und scheinen optisch aus dem Bild hervorzutreten. Sie ähneln fast Skulpturen oder auch Gesichtern. Häufig benennt der Künstler sie nach Göttern aus der griechischen Mythologie wie PALAS ATHENE oder HERAKLES.
Die gestischen Farbstrukturen überlagern sich und ziehen den Blick des Betrachters in die Tiefe eines komplexen, mehrdimensionalen Raumes.
Die Farblinien, die je nach Farbauftrag mal durchscheinend, mal undurchdringlich sind, geben in ihrer Struktur und ihrem Verlauf Zeichen ihres Entstehungsprozesses preis. Der Blick des Betrachters folgt den Spuren des Pinsels, die feinste Linien im Strich zurückgelassen haben. An den Stellen, an denen die Striche zusammentreffen und sich gleichermaßen in verschiedene Richtungen trennen, scheinen in einigen Bildern die Punkte durch, die der Künstler auf den farbigen Untergrund setzt, bevor er im weiteren Prozess beginnt, diese Punkte miteinander zu verbinden. Die Entscheidung, ob die gesetzten Markierungen zu einer geschlossenen Form verbunden werden oder sich über die Bildgrenzen fortsetzen, fällt während des Malens ganz intuitiv. Der Künstler nimmt dabei seine ganze Absicht raus und lässt die Energie der eigenen Schöpfungskraft zu.
Ringe verlässt dabei die feste, vorweg genommene Vorstellung von einem Bild, um der Wahrnehmung im Augenblick des Entstehens einen Raum zu schaffen. Darum spricht er auch immer wieder in Bezug auf seine Arbeiten von einer „Malerei des Augenblicks“. In einem Gespräch im vorigen Jahr sagte Ivo Ringe zu mir:
„Am Anfang eines neuen Bildes lege ich mit der Farbe und Aufteilung des Hintergrunds die Grundtöne des Bildes, die „Bässe“ fest. Dann setze ich die Energiepunkte darauf, und die verbinde ich. Auf welche Art und Weise die verbunden werden, das passiert während des Malens ganz intuitiv. Ich versuche mich soweit wie möglich da heraus zu nehmen. Dann, aus der Farbe, aus der Gestik, entstehen diese Strukturen, die immer anders sind.“
Die Wahl der Farben für ein Bild variiert bei Ringe sehr, je nachdem, wie der Künstler das Werk gewichten will. Die Farbzusammensetzungen sind Schicht für Schicht übereinander gelegte und mit großer Erfahrung austarierte Mischungen und werden für den Betrachter zum sinnlichen Erlebnis.
In seiner künstlerischen Vorgehensweise agiert Ringe intuitiv, seine Bilder senden Impulse an uns Betrachter, an unsere Wahrnehmung und unser Denken.„… denn da ist keine Stelle, die dich nicht sieht.“ ist der Titel von Ringes Ausstellung hier in Landshut und zugleich der Titel dieses nicht nur wandfüllenden sondern auch raumfüllenden Bildes. Als Betrachter hat man das Gefühl im Bild zu stehen, von ihm umschlossen zu sein. Der Titel ist dem Gedicht „Archaischer Torso Apollos“ von R. M. Rilke aus dem Jahr 1908 entliehen, das die Begegnung des Dichters mit einer griech. Statue des Gottes Apoll (Gott des Lichts und der Weisheit, Beschützer der Künste) im Louvre schildert. Im Angesicht dieses Körperfragments, ohne Arme, Beine, Kopf und Geschlecht spürt der Dichter ein Übermaß an Männlichkeit, Vitalität und göttlicher Energie, das ihn geradezu demütigt. Er schaut die Statue an und die Statue blickt ihn an, woraufhin er eine Stimme aus dem Stein vernimmt, die eben sagt: „… denn da ist keine Stelle, die dich nicht sieht. Du musst dein Leben ändern.“
Dieser Betrachter wird ergriffen, fühlt sich angesprochen, erschüttert, in seiner eigenen Existenz berührt und erlebt den einen Satz: „Du musst dein Leben ändern.“
Das Kunstwerk ist nicht nur der Betrachtung ausgeliefert, sondern fordert den Blick. Der Betrachter wird selbst zum Objekt der Betrachtung, und die ist keineswegs unverbindlich, sondern – wie von Rilke empfunden – schonungslos. Die Werke der Kunst senden Impulse an die Wahrnehmung und an das Denken. So wird aus dem Betrachter selbst ein Angeschauter.
Und wenn wir jetzt gedanklich noch einmal runter gehen zu den kleinen BEINGS in ihren Nestern und uns daran erinnern, wie jedes dieser Wesen seinen eigenen Blick hat, der auf den Betrachter gerichtet ist, so wird deutlich, wie sehr dieser Satz: „… denn da ist keine Stelle, die dich nicht sieht.“ auch für Heather Sheehans Kunst Gültigkeit hat.

Dr. Nanna Preußners